日本的な個性を表わす将棋

Frédéric d'Artois — Thu, 27 Mar 2008 13:59:00 +0100

Le jeu d’échec, inventé aux Indes par l’empereur Ravana qui voulait voir ses généraux s’exercer à la stratégie et à la tactique, a pris son nom en Perse de “shah”, échec et mat signifiant “le roi est mort”. Parti dans toutes les directions il est arrivé au Japon vers le 8ème s. mais c’est vers la fin du 16ème s. que fut adoptée la forme actuelle du jeu sous le nom de Shogi. Cette réforme, traditionnellement attribuée à l’empereur Go Nara, introduit l’idée géniale du parachutage des pièces prises à l’adversaire, ce qui fait que lorsqu’on perd une pièce on creuse l’écart de deux. Cela, ajouté au fait que toutes les pièces peuvent aller “à dame” (rôle tenu par le général d’or) offre une grande capacité de retournement qui donne au jeu d’échec japonais sa personnalité à nulle autre pareille.

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......................................日本的な個性を表わす将棋

将棋はチェスの遊びの一種です。伝説によると、原型となる遊びはラヴァナ皇帝によってインドで発明されました。皇帝は、見たところ時間を持て余している将軍たちに、戦術と戦略を訓練するための手段を与えました。しかしこの遊びが「チェス」の名前をもらったのはペルシャです。この言葉はペルシャ語から来ており、王を意味します。遊びの目的はもちろん王の駒を取る事であり、「チェックメイト」は「王が死んだ」という意味です。ペルシャから遊びは西へ東へと広がり、８世紀頃、日本に着きました。この旅行の間に、初めインドで象だった駒は将軍になりました。そして遊びの形はまだ固定していませんでした。変形は、１２x１２の升目と９２枚の駒の小将棋から２５x２５の升目と３５４枚の駒の大将棋までありました。１６世紀の最後頃に大きな変化が起こりました。そして９x９の升目の盤と４０枚の駒の今日の将棋の形が採用されました。この改革は伝統的に後奈良天皇に帰させれています。その上彼は、相手からとった駒のパラシュート降下を導入するという素晴らしい考えを思いつき、将棋に比類ない個性を与えました。西洋人が女王を遊びの一番強力な駒として導入するという少しばかりロマンチックな誘惑に負ける一方、日本人は将軍という利口な考えに留まって、戦争で実際にあるような敵の取りこみという戦術を導入したのです。一枚駒を失うと実際には二枚駒を失うことになるというこの革新は、戦略の次元を大きく拡大する弾みを将棋に与えます。取った駒は、置き直されると予想しにくい新しい可能性を開きます。こうして、この類いの遊びとしては唯一のことですが、将棋は色を持たないのです。矢の形をした駒は向き合っています。慣習では、反対陣営入る時に裏返して昇進させた駒だけに色がついています。この規定は、西洋チェスで女王になる事に対応していて、また、将棋の状況を急変させる大きな能力にも貢献し、ぴりっとした妙味をこの遊びに与えています。１６世紀の完成された形では、将棋は、戦略に関するその啓蒙的な長所を評価する織田信長と豊臣秀吉と徳川家康の三人の大将軍のうちに優れた支えを見い出しました。そのような支持者がいたということもあり、そしては複雑な状況と予測し難いでき事に慣れた日本的な個性をこの遊びは表わすだけにますます、将棋が非常に大衆的になった事は驚くには当たらないのです。

Images du Monde flottant

Frédéric d'Artois — Tue, 17 Apr 2007 13:15:00 +0200

Le monde flottant c'est, au Japon de l'époque d'Edo, le monde des artistes : geisha, danseuses, acteurs, saltimbanques, qui vivaient sur des embarcations. Ce monde de la scène a inspiré les peintres et donné de nombreuses images... Ukiyo-e, les images du monde flottant se sont multipliées grâce aux estampes que les Japonais de l'époque achetaient comme souvenir de voyage et celles-là constituent maintenant une bonne partie de la mémoire de ce monde disparu.

Avec le Dit du Monde flottant (Ukiyo Monogatari) d’Asai Ryoi, cette expression apparaît en 1661 dans la littérature japonaise. Il s’agit, en fait, d’un ancien concept bouddhiste, attesté dans la poésie de l’époque de Heian (794-1185), désignant un monde d’affliction, la réalité du monde étant douloureuse par essence parce que transitoire et illusoire. Au 17ème siècle cependant, par un glissement de sens révélateur, le terme devient la métaphore des lieux de plaisir et des divertissements les plus terrestres, tout en gardant la conscience de l’évanescence de cet univers. Cette fugacité du monde se reflète dans la sorte de "carpe diem" qu'exprimaient les vers d'Asai Ryoi (ci-dessous). L'esprit, comme un peintre, se saisit de l'instant pour en faire une éternité et cette magie peut transmuer la douleur en plaisir.

"Vivre seulement pour l’instant, contempler la lune,
la neige, les cerisiers en fleurs et les érables rouges ;
chanter des airs, boire, se divertir et se laisser flotter
comme flotte la gourde au fil de l’eau…"

Au Japon, le plaisir a ses quartiers. Lorsqu'en 1603, le nouveau pouvoir shogunal des Tokugawa s'établit à Edo (l'actuel Tokyo), s'ouvre une ère de prospérité, dans un pays sortant de l'époque des guerres civiles, et l’optimisme retrouvé s'exprime dans de nouveaux lieux de divertissements, concentrés en bordure des grandes cités. On y trouve la maison de thé avec ses Geisha et le théâtre de Kabuki avec ses acteurs et ses danseuses aux costumes colorés, dont certains sont adorés comme des icônes. Voilà le Monde flottant dans sa liberté surveillée où l’expression du corps et de l’âme va donner lieu à un nouveau courant pictural caractérisé, in fine, par une promotion de la figure féminine, également représentée de façon paradoxale par les hommes interprétant les rôles féminins dans le Kabuki : les fameux Onnagata.

Les commanditaires sont les citadins récemment enrichis dans le commerce dont les goûts reflètent une attitude existentielle nouvelle, vouée au culte du beau et des plaisirs. Ces nouveaux riches, tenus à distance par le pouvoir shogunal tout imprégné des valeurs confucéennes, vont trouver le moyen d’exprimer leur sensibilité dans le Monde flottant, synonyme de frivolité mais dont la légèreté ne se départit pas d’une certaine mélancolie qui, avec la sensualité, va trouver son expression dans l’art pictural.

L’oeuvre picturale en Asie n’occupe pas une place fixe, comme le tableau occidental sur son mur entre deux meubles, mais se range quand on a fini de la contempler. C’est souvent un rouleau, comme le kakemono japonais ou le rouleau chinois qui peut atteindre vingt mètres de long et que l’on déroule comme un film, pour en suivre les défilés en costumes sur une avenue bordée d’échoppes avec une foule bigarrée présentant des milliers de saynètes. Cette disposition induit une sorte de temporalité qui annonce la bande dessinée, l’oeil devenant le point fixe qui voit se dérouler le spectacle.

Les Japonais ont bien sûr réalisé de tels rouleaux, mais ils ont aussi transposé la formule en raccourci sur leurs paravents. En 2004, le Grand Palais nous avait présenté cinquante pièces datant du 17ème siècle, passant de l’école Tosa (paysage de style chinois en couleurs naturelles) au fond d’or typiquement japonais de l’Ecole Kanô, repris par de nombreux anonymes dans la tradition du Yamato-e (image japonaise) représentant des peintures de genre. Les scènes décrivent le passage des saisons et quelques sites fameux pour leur beauté comme le mont Fuji ou tel sanctuaire surplombant la baie d’Osaka, pour y placer des scènes de danses, de jeux, de spectacles populaires et d’événements traditionnels : ici un banquet sous des cerisiers en fleurs (les fameux Sakura), là une parade de jeunes filles somptueusement vêtues.

C’est vers 1650, que des anonymes, trouvant leur inspiration dans les quartiers de plaisirs, inversent le rapport entre paysage et personnages, projetant ces derniers au premier plan. Un paravent, conservé au musée Hosomi, a notamment fait la transition entre la scène de divertissements et l’Ukiyo-e par la disposition des personnages, selon une ligne qui isole chacun sur fond d’or. Par la suite, des portraits, peints sur rouleaux, de beautés lisant ou se promenant, metteront l’accent sur la sensualité féminine avec des silhouettes enveloppées de kimonos luxuriants, illustrant la mode du Monde flottant mais faisant aussi référence à la littérature médiévale, du "Dit du Genji" aux "Contes d’Ise". Certains paravents mettent en scène les seuls kimonos jetés sur un portant en l'absence de tout personnage, renvoyant ainsi à la question implicite : “De qui sont ces manches ?” Car, prolongement métaphorique du corps féminin, la manche parfumée exprime et symbolise la mélancolie d’un sentiment amoureux porté à une beauté absente.

Autre exemple : "Les Beautés s’adonnant aux quatre Raffinements" est un paravent de Jukei qui met en scène des jeunes femmes suprêmement élégantes dont un groupe s’adonne à la poésie, symbolisée par un rouleau calligraphié, un autre à la peinture, un autre encore à la musique instrumentale, et un dernier à une partie de shôgi (jeu d’échec japonais), illustrant ainsi l’idée du raffinement propre aux 17ème et 18ème siècles, que l’on retrouve en filigrane dans tout l’Ukiyo-e.

Gloire des douze Mois, les Premiers Jours de Printemps de Kôryusai, ci-dessous, montre les deux amants assoupis partagant le même songe. Celui du Nouvel An qui réunit trois motifs de bon augure : des plants d’aubergine, un faucon et le Mont Fuji. On notera le faible contraste entre les traits féminins et masculins.

Considéré comme le père de l’Ukiyo-e, Moronobu (1618-1694) est le premier artiste à condenser les recherches graphiques et thématiques de ce courant et à signer ses œuvres. Son travail s’exerce dans un va-et-vient entre peinture et gravure. Ainsi les estampes sont, à l’origine, détachées d’ouvrages imprimés pour être vendues à l’unité. Reproductibles et peu onéreuses, à l’instar des cartes postales d’aujourd’hui, les estampes s’adressent aux visiteurs des quartiers de plaisir et deviennent un mode d’expression de l’Ukiyo-e.

Dans les premiers temps l’estampe était d'abord imprimé en noir et blanc, puis ensuite colorée (on dit rehaussée) au pinceau par les artistes, dits primitifs, de l’école Torii. Cependant, comme la technique de la gravure sur bois ne cessa de se perfectionner, Harunobu (1724-1770), en intégrant quelques couleurs au processus d’impression, créa la polychromie qui donna ensuite le jour aux “estampes de brocarts”. Il a aussi créé un style nouveau avec la silhouette gracile de la Japonaise sur pied, ouvrant la voie au portrait qui suivra avec notamment Utamaro.

L’exposition du Grand Palais présentait les diverses voies stylistiques et thématiques suivies par les artistes comme Kôryusai (17??-1793) ou Kiyonaga (1752-1815), au cours de ce qui fut l’âge d’or de l’estampe japonaise, dans le dernier quart du 18ème siècle. La toilette, le miroir, l’évocation de l'amour maternel sont les nouveaux moyens, plus narratifs, pour exprimer la sensualité, en ajoutant toujours des références à la littérature médiévale ainsi qu’à l’existence des habitants d’Edo. La figure féminine fait l’objet d’une mise en valeur infinie suivant des courbes inattendues, effilées, serpentines.

Dans cet univers si profondément japonais, on peut cependant apercevoir l’influence occidentale grâce à Masanobu (1686-1764). Ce peintre et éditeur a dominé la 1ère moitié du 18ème siècle en innovant dans de nombreux domaines et notamment en introduisant la perspective occidentale avec lignes de fuites pour représenter le Monde flottant avec un horizon abaissé. Ces représentations d’un genre nouveau seront appelées Uki-e (images flottantes).

Utamaro (1753-1806) , a renouvellé l’art du portrait avec des compositions resserrées sur le modèle, à mi-corps ou en gros plan autour du visage. Il pousse plus loin la recherche de l’expressivité, aux confins de l’étude psychologique. De cette façon ses personnages acquièrent une densité nouvelle telle qu’on la trouve notamment dans les portraits d’acteurs de Kabuki spécialisés dans les rôles féminins, devenus les icônes d'une féminité surdéterminée. Il a excellé également dans les séries érotiques qui ont constitué un genre à part entière.

Ces séries érotiques qui portent le nom évocateur de Shunga (images de printemps) ont toujours fait montre d’une retenue dont nous avons aujourd’hui perdu l’habitude. Les corps ne sont jamais totalement dénudés et si les sexes subissent une stylisation hyperbolique, ils restent dans leur rôle naturel. Ce genre a été développé tout au long de l’époque d’Edo. Il n'était l'objet d'aucune réprobation, au contraire, la plupart des peintres ont abordé ce domaine comme un prolongement logique de l’ensemble de leur oeuvre.

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